Edvard Munch: Der Schrei und die Bildsprache der Seele

Edvard Munch (12. Dezember 1863 – 23. Januar 1944) war ein norwegischer Maler und Grafiker, der als einer der Wegbereiter des Expressionismus gilt. Seine Werke, darunter das weltberühmte Gemälde „Der Schrei“, thematisieren grundlegende menschliche Emotionen wie Angst, Liebe, Eifersucht und Tod, oft basierend auf eigenen traumatischen Erlebnissen.

Berlin, 5. November 1892. Im Architektenhaus an der Wilhelmstraße eröffnet eine Ausstellung, die nur eine Woche überdauern wird. Ein junger, in Deutschland unbekannter Norweger namens Edvard Munch zeigt 55 seiner Bilder. Das Publikum ist schockiert. Die Kritiker sind entsetzt. Sie sehen fiebrige Farben, verzerrte Formen, eine als anarchistische Provokation empfundene Rohheit. Auf Betreiben von Anton von Werner, dem einflussreichen Direktor der Königlichen Hochschule der bildenden Künste, wird die Ausstellung geschlossen. Der „Fall Munch“ wird zum Skandal. Und der Skandal macht den Künstler über Nacht bekannt. Er hatte nicht die Absicht, zu provozieren. Er malte nur, was er in sich trug.

Seine Leinwände wurden zu Membranen der Seele, die innere Zustände nach außen kehrten. Krankheit, der frühe Tod der Mutter und der Schwester, die Last eines streng religiösen Vaters und quälende Liebesbeziehungen formten eine Kunst, die das Unsichtbare sichtbar machen wollte.

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Jahr	Titel	Gattung	Bedeutung
1885–86	Das kranke Kind	Ölgemälde	Radikaler Bruch mit dem Realismus; Verarbeitung des Todes seiner Schwester Sophie.
1890	Nacht in Saint-Cloud	Ölgemälde	Schlüsselwerk des Symbolismus; Ausdruck von Trauer und Einsamkeit nach dem Tod des Vaters.
1893	Der Schrei	Öl, Tempera, Pastell	Ikone der Kunstgeschichte; universeller Ausdruck existenzieller Angst.
1894	Madonna	Ölgemälde, Lithografie	Zentrales Motiv des Lebensfrieses; ambivalente Darstellung von Heiliger und Sünderin.
1899–1900	Der Tanz des Lebens	Ölgemälde	Hauptwerk des Lebensfrieses, das die Phasen der Liebe in drei allegorischen Szenen darstellt.
1901	Die Mädchen auf der Brücke	Ölgemälde	Höhepunkt des nordischen Symbolismus; lyrische Stimmungsschilderung.
1910–11	Die Sonne	Ölgemälde	Zentrales Wandgemälde für die Aula der Universität Oslo; Symbol für die ewigen Kräfte des Lebens.

Krankheit und Leinwand in Kristiania

Geboren in Løten, wuchs Edvard Munch in Kristiania, dem heutigen Oslo, auf. Frühe Prägungen waren der Tod seiner Mutter 1868 und seiner Schwester Sophie 1877 an Tuberkulose. Nach einem Jahr an der technischen Schule wechselte er 1881 an die Königliche Zeichenschule und erhielt Korrekturen von Christian Krohg.

Das Haus der Familie Munch war ein Ort der Kultur, aber auch der Trauer. Der Vater, Christian Munch, war ein tief religiöser Militärarzt, dessen Pietismus eine Atmosphäre von Schuld und Angst schuf. Die Mutter, Laura Catherine, starb, als Edvard fünf Jahre alt war. Seine ältere und geliebte Schwester Sophie folgte ihr neun Jahre später. Diese Verluste wurden zum Urgrund seiner Kunst. Er selbst war von schwacher Gesundheit, ein Zustand, der seine Wahrnehmung der Welt schärfte. Die Familie lebte in bescheidenen Verhältnissen. Die Kunst war kein selbstverständlicher Weg.

Zunächst folgte er dem Wunsch des Vaters und begann ein Ingenieurstudium, doch die Neigung zur Malerei war stärker. Mit Unterstützung seiner Tante Karen Bjølstad brach er die technische Ausbildung ab. Er studierte die Alten Meister, lernte das Aktzeichnen und fand im führenden norwegischen Naturalisten Christian Krohg einen wichtigen Lehrer. Seine frühen Arbeiten zeigen sein Talent, sich den Realismus französischer Prägung anzueignen. Doch das bloße Abbilden der sichtbaren Welt genügte ihm nicht. Er wollte mehr.

Der Bruch manifestierte sich 1885 im Gemälde „Das kranke Kind“. Munch verarbeitete darin den Tod seiner Schwester Sophie. Er kratzte Farbschichten ab, trug neue auf, kämpfte um einen Ausdruck, der über die realistische Darstellung einer Sterbeszene hinausging. Er verzichtete auf eine klare räumliche Tiefe und schuf eine ikonenhafte Komposition von roher emotionaler Wucht. Die Oberfläche des Bildes trug die Spuren dieses schöpferischen Kampfes. Die Kritik reagierte mit Unverständnis und Ablehnung. Munch aber hatte seine Methode gefunden. Er malte nicht, was er sah, sondern was er gesehen hatte.

Der Skandal von Berlin und der „Lebensfries“

1892 lud der Berliner Kunstverein Munch zu einer Einzelausstellung ein. Die Schau wurde nach einer Woche wegen der als provokant empfundenen Malweise geschlossen. Der Skandal machte Munch berühmt und er blieb in Berlin, wo er im Kreis um August Strindberg und Stanisław Przybyszewski verkehrte und den Zyklus „Lebensfries“ begann.

Der norwegische Landschaftsmaler Adelsteen Normann hatte Munchs Werke in Kristiania gesehen und ihm die Einladung nach Berlin vermittelt. Was als Chance begann, endete in einem Eklat. Die etablierte Kunstszene der deutschen Hauptstadt empfand seine Bilder als Angriff. Doch der Protest führte zu einer Solidarisierung progressiver Künstler und zur Gründung der Berliner Secession. Für Munch war der Skandal ein Katalysator. Er entschied sich, in der Stadt zu bleiben, die ihn zunächst verstoßen hatte. Er fand Anschluss an einen intellektuellen Zirkel im Gasthaus „Zum schwarzen Ferkel“. Hier diskutierte er mit dem schwedischen Dramatiker August Strindberg, dem polnischen Dichter Stanisław Przybyszewski und dem Kunsthistoriker Julius Meier-Graefe über die Philosophie von Friedrich Nietzsche, über Psychologie und die Abgründe der Sexualität.

Ich male nicht, was ich sehe, sondern was ich sah.

In diesem geistigen Klima begann er, seine Motive zu einem großen Zyklus zu verbinden, den er „Lebensfries“ nannte – ein Gedicht über Leben, Liebe und Tod. Er schuf Werke wie „Vampir“, „Madonna“ und „Asche“, die die Nachtseiten der Liebe erkunden. Es entstanden Bilder, die den Tod thematisieren, und vor allem jene Komposition, die zum Sinnbild moderner Entfremdung werden sollte: „Der Schrei“. Munch beschrieb den Ursprung des Motivs in einer Tagebuchnotiz: Er ging mit zwei Freunden spazieren, die Sonne ging unter, und der Himmel färbte sich blutrot. Er fühlte einen Schrei, der durch die Natur ging. Dieses existenzielle Erlebnis übersetzte er in eine universelle Bildformel der Angst. Przybyszewski prägte für diese Kunst den Begriff des „psychischen Realismus“. Munchs Malerei war die Visualisierung innerer Vorgänge.

Paris, Druckgrafik und Psychogramme

Ab 1896 verlagerte Munch seinen Lebensmittelpunkt nach Paris. Dort vertiefte er sich in die Druckgrafik und arbeitete mit dem Meisterdrucker Auguste Clot zusammen. Er schuf bedeutende Farblithografien und seine ersten Holzschnitte. Die Grafik wurde neben der Malerei zu seinem zweiten zentralen Ausdrucksmittel.

Dank eines Künstlerstipendiums hatte Munch bereits zuvor Zeit in Frankreich verbracht und die postimpressionistischen Strömungen aufgenommen. Die Werke von Paul Gauguin und den Synthetisten bestärkten ihn in seiner Suche nach Vereinfachung und Stilisierung. Nun, Mitte der 1890er Jahre, fand er in der Grafik ein Medium, das seinen Intentionen ideal entsprach. Die Radierung, die Lithografie und der Holzschnitt erlaubten es ihm, seine zentralen Motive in Serien zu variieren und ihre psychologische Wirkung zu verdichten. In der Werkstatt von Auguste Clot, der auch für Künstler wie Pierre Bonnard und Henri de Toulouse-Lautrec druckte, entstanden Meisterwerke der Druckgrafik.

Besonders der Holzschnitt bot ihm neue Möglichkeiten. Indem er die Druckstöcke zersägte und die Teile separat einfärbte, konnte er komplexe, mehrfarbige Kompositionen aus einem einzigen Holzblock erstellen. Diese Technik verlieh seinen Grafiken eine unverwechselbare, flächige und zugleich tiefgründige Qualität. Motive aus dem „Lebensfries“ wie „Der Kuss“ oder „Melancholie“ fanden in der Grafik eine neue, oft noch konzentriertere Form. Die Grafik war für ihn kein Nebenprodukt. Sie war ein eigenständiges künstlerisches Forschungsfeld, das es ihm ermöglichte, seine Themen mit einer anderen Intensität zu durchdringen und einem breiteren Publikum zugänglich zu machen. Sein Ruf als einer der großen Erneuerer der Druckkunst gründet auf den Arbeiten dieser Pariser Jahre.

Edvard Munchs späte Jahre: Krise und Heimkehr nach Ekely

Um die Jahrhundertwende litt Edvard Munch unter Alkoholproblemen und psychischer Instabilität, die 1908 in einem Nervenzusammenbruch gipfelten. Nach einem achtmonatigen Klinikaufenthalt in Kopenhagen kehrte er dauerhaft nach Norwegen zurück. 1916 erwarb er den Besitz Ekely bei Oslo, wo er bis zu seinem Tod zurückgezogen lebte und arbeitete.

Der künstlerische Erfolg ging mit wachsenden persönlichen Konflikten einher. Eine aufreibende Beziehung zu Tulla Larsen endete 1902 in einer Revolverszene, bei der Munch am Mittelfinger der linken Hand verletzt wurde. Diese Episode wurde zur Obsession und floss in seine Kunst ein, etwa in die Darstellungen von „Marats Tod“. Die Jahre waren von Rastlosigkeit, Reisen durch Deutschland und exzessivem Alkoholkonsum geprägt. 1908, nach einer Phase intensiver Arbeit, aber auch zunehmender Halluzinationen und Verfolgungswahn, ließ er sich in die Kopenhagener Klinik von Dr. Daniel Jacobson einweisen. Die Behandlung brachte die Wende.

Nach seiner Rückkehr nach Norwegen 1909 zog er sich zunächst nach Kragerø zurück. Seine Kunst wurde vitaler, die Farben leuchtender. Er gewann den Wettbewerb zur Ausschmückung der Aula der Universität Oslo, ein Projekt, das die Gestaltung von elf großen Leinwänden umfasste und ihn über Jahre beschäftigte. Die zentralen Werke „Die Geschichte“, „Alma Mater“ und vor allem „Die Sonne“ zeigen eine neue, dem Leben zugewandte Kraft. Sie huldigen den „ewigen Kräften des Lebens“, wie er selbst sagte. 1916 kaufte er das Anwesen Ekely am Rande von Kristiania. Hier lebte er in selbst gewählter Isolation, umgeben nur von seinen Bildern, die er seine „Kinder“ nannte. Er blieb bis ins hohe Alter überaus produktiv, malte Landschaften, Porträts und griff immer wieder seine alten, quälenden Themen auf, nun aber aus der Distanz des Alters. Sein umfangreiches Spätwerk, das im Munch-Museum in Oslo verwahrt wird, zeugt von einer ungebrochenen schöpferischen Energie. Am 23. Januar 1944 starb Edvard Munch auf Ekely.

Häufig gestellte Fragen

Wann wurde Edvard Munch geboren und wann starb er?

Edvard Munch wurde am 12. Dezember 1863 in Ådalsbruk, Norwegen, geboren. Er starb im Alter von 80 Jahren am 23. Januar 1944 auf seinem Anwesen Ekely, das heute zu Oslo gehört. Er verbrachte die letzten Jahrzehnte seines Lebens in Norwegen.

Wofür ist Edvard Munch bekannt?

Edvard Munch ist vor allem für seine Rolle als Wegbereiter des Expressionismus und für sein ikonisches Werk „Der Schrei“ bekannt. Seine Kunst thematisiert intensive psychische Zustände wie Angst, Liebe und Tod, die er im thematischen Zyklus „Lebensfries“ zusammenfasste.

Was sind die wichtigsten Werke von Edvard Munch?

Zu seinen Hauptwerken zählen „Das kranke Kind“ (1885), das mit dem Realismus brach, „Der Schrei“ (1893) als Symbol existenzieller Angst und der Bilderzyklus „Lebensfries“ (ab 1893), der Motive wie „Madonna“, „Vampir“ und „Der Tanz des Lebens“ umfasst.

Hatte Edvard Munch Familie?

Edvard Munch heiratete nie und hatte keine Kinder. Seine Familie war von Tragödien geprägt: Seine Mutter und seine Schwester Sophie starben früh an Tuberkulose. Eine jüngere Schwester litt an Depressionen. Diese Erfahrungen prägten sein Leben und seine Kunst.

Was war die Todesursache von Edvard Munch?

Edvard Munch starb am 23. Januar 1944 eines natürlichen Todes in seinem Haus in Ekely bei Oslo. Er erlebte noch die deutsche Besatzung Norwegens im Zweiten Weltkrieg, die ihn beunruhigte, da die Nationalsozialisten seine Kunst als „entartet“ eingestuft hatten.

Welchen Einfluss hatte Edvard Munch auf die Kunstgeschichte?

Er gilt als Schlüsselfigur für die Entwicklung des Expressionismus in Deutschland. Künstlergruppen wie „Die Brücke“ übernahmen seine Techniken und seine subjektive Herangehensweise. Munchs Fokus auf psychologische Inhalte öffnete der Kunst des 20. Jahrhunderts neue Wege.

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